Movie reviews, production notes, and more! - "Gangs of New York"

Movie Spanish Production Notes: Gangs of New York

Notes provided by Miramax Films "PANDILLAS DE NUEVA YORK" Ciudad de Nueva York, 1863. Antes que fuera la ciudad que hoy conocemos, la ciudad de las riquezas, de poder y de sueños infinitos, Nueva York fue un lugar muy diferente, una recién nacida ciudad donde el deseo por tener una mejor vida llenó de furia las calles regidas por el crimen. Aquí, mientras la supervivencia de la nación se ponía a prueba con la Guerra Civil, un vasto y peligroso bajo mundo nacía en las calles. Estas eran las PANDILLAS DE NUEVA YORK, cuyas estafas, robos, timos, apuestas y asesinatos se volverían legendarios y cuya cultura de corrupción amenazaba la supervivencia de la gente trabajadora de Norteamérica. En la joven e inacabada ciudad, hubo una época de crueldad, intolerancia y miedo. Pero también fue una época de extraordinario valor por parte de todos aquellos que se vieron empujados a pelear por la libertad de las futuras generaciones. El Director Martin Scorsese trae a la pantalla grande la película épica sobre la naciente Norteamérica en una dramática historia acerca de una época cuyos conflictos ayudaron a definir quién y qué hace a uno norteamericano. Detrás del escenario de este bravo nuevo mundo, se desarrolla la historia de un huérfano en busca del honor, la venganza y el coraje para rehacer su vida. Scorsese comenta: "Desde que era un niño y vivía en el bajo Manhattan, escuchaba historias del Viejo Nueva York. Cada día, mientras exploraba las calles del vecindario, lentamente descubría pistas de un extraordinario pero relativamente desconocido período de la historia de la ciudad y de nuestro país. La década de 1860 parecía chocar con las increíbles historias de las clases trabajadoras; de la ola de emigrantes que llenó las calles y callejones; de los políticos corruptos; y de las leyendas del bajo mundo que luchaban para controlarlo todo. Estas son historias acerca del reto de Norteamérica y de lo que el naciente país tuvo que tolerar. Son historias acerca de nuestras raíces." PANDILLAS DE NUEVA YORK presenta al mundo actual de los Cinco Puntos, una oscura y sobrepoblada esquina de la ciudad conocida hace mucho tiempo por los neoyorquinos como el centro del vicio y del caos. A esta frontera de extrema anarquía, llega el joven irlandés-norteamericano Amsterdam Vallon (Leonardo DiCaprio). Amsterdam es el hijo huérfano del asesinado Sacerdote Vallon alguna vez líder de la pandilla de los Conejos Muerto que reunió a los emigrantes irlandeses de los Cinco Puntos y un hombre de cálculo. Después de 16 largos años en una "Casa de Refugiados," Amsterdam ha regresado a los Cinco Puntos para cazar al asesino de su padre. Su objetivo es William Cutting, conocido como "Bill el Carnicero" (Daniel Day-Lewis), quien se ha convertido en el cruel líder del barrio, un nativo que odia a los emigrantes recién llegados y quien está determinado a rechazar a los llamados "invasores extranjeros." Cada año, en el aniversario de la muerte del Cura Vallon, la victoria es conmemorada con una celebración con invitaciones distribuidas solamente por El Carnicero. El plan de Ámsterdam está claro: mentir para esperar y tomar por sorpresa al asesino de su padre en la noche anual donde El Carnicero celebra su gran victoria con un redoble de tambor y un trago de una copa de fuego. Como Ámsterdam dice: "Cuando uno mata a un rey, no se le apuñala en la oscuridad. Uno lo mata donde todo el mundo pueda verlo morir." Mientras espera esa noche, Amsterdam encuentra la forma de adentrarse en el círculo de El Carnicero, un mundo que alterna la epercus y el honor, y del cual sólo puede desear escaparse. Mientras más se acerca a Bill, éste más lo considera como un hijo adoptado, fingiendo lealtad mientras mantiene el secreto de su verdadero pasado en las sombras. Pero cuando s puede enfrentar al ejercito de Bill, su destino cambia y él se convierte en el Al mismo tiempo, eper Everdeane (Cameron Diaz), una enigmática ladrona de bolsillo cuyas manos más rápidas que la vista y su fiera independencia lo fascinan. Cuando los detalles de su cercano pasado ligado a Bill el Carnicero emergen, la relación entre los tres solo se intensifica. La pelea de ama, finalmente se juntan en un momento epercusi, tendrá epercusiones que afectarán desde los Cinco Puntos hasta los pasillos del gobierno y más allá, y revelará un espíritu tenaz que perdurará en la ciudad. PANDILLAS DE NUEVA YORK tiene una duración de 2 horas y 45 minutos. Acerca de la Producción "La Calle Mulberry y Worth. Cross, Orange y Little Water. Cada uno de los Cinco Puntos es un Dedo y cuando cierro mi mano, se convierte en la primera." -- Bill el Carnicero "PANDILLAS DE NUEVA YORK recrea una época de la cual sólo sabemos por medio de leyendas y de gente que dejó a su muerte un poco más que su nombre," dice Luc Sante, el historiador y escritor. "Para hacer esta historia palpable, se requirió de un acto de imaginación colectiva." La apasionada misión de hacer PANDILLAS DE NUEVA YORK comenzó hace treinta años, antes que Martin Scorsese dirigiera la serie de dramas que lo posicionaran como uno de los realizadores más importantes de su generación. Mientras estaba en una reunión con un grupo de amigos en 1970, él vio la crónica de Herbert Asbury de 1928 Gangs of New York un libro entonces considerado de "culto" a menudo prestado entre los neoyorquinos en un estante. El título le llamó la atención. "Yo lo tome del estante y lo leí casi todo en un día," recuerda Scorsese. El libro habla acerca de las leyendas y la sabiduría del colorido mundo criminal del Viejo Nueva Yorky también de un tiempo y lugar, como Asbury revela, que le dio sus orígenes a la Mafia moderna y al mafioso norteamericano. Era una ciudad de Nueva York llena de pequeñas pero peligrosas pandillas con nombres de cuentos como los 'Shirt Tails,' los 'Plug Uglies' y los 'Daybreak Boys' todas luchando por sobrevivir en un mundo extraño y hostil. El libro parece mostrar el futuro, excepto por la salvedad que es una historia verdadera acerca del salvaje pasado de Norteamérica. Éste revela un Nueva York lleno de rebeldes y mafiosos, de 'slang' y experiencia, de feroces batallas y maquinaciones secretas y de un país que está descubriendo el poder que tiene la gente en las calles. Al leer el libro, Scorsese recordó historias que había escuchado cuando era niño en Little Italy. "El libro contenía todo el folklore de la vieja ciudad de Nueva York y todo lo que leí parecía encajar con mis impresiones acerca de esa época. Podría decirse que el proyecto se convirtió en parte del continuo amor y la fascinación que tengo por la ciudad." Scorsese fue cautivado por el retrato de un tiempo en la ciudad de Nueva York cuando los emigrantes eran forzados a vivir fuera de la ley, aunque los líderes de la sociedad vivían por encima de ella. Él se imaginó una versión para cine de PANDILLAS DE NUEVA YORK como un homenaje a las películas épicas norteamericanas acerca de las raíces de la personalidad del país, revelando la historia de cómo los jóvenes emigrantes urbanos se unieron en un tiempo de desesperanza y miedo, y pelearon por el derecho de alcanzar sus sueños individuales. Él le comentó del libro a su amigo y colaborador, el guionista Jay Cocks, quien ya estaba familiarizado con él. De hecho, él poseía una copia. "Yo también llevaba tiempo intrigado por los criminales y pandillas de ese período porque mi abuelo fue policía de Nueva York," dice Cocks. "Él tenía copias viejas de la Gaceta de Policía, que estaba llena de tallas en madera y grabados que ilustraban las hazañas de los criminales y las pandillas. Yo lo encontré fascinante porque es un terreno virgen en el cine. La mayoría de la gente no está familiarizada con la historia de este período de Nueva York." Él comenta: "Yo siempre he pensado en esta película en la forma en que una vez Marty me la describió: Una película del Oeste en Marte." Cocks hizo investigación acerca del período, pero también encontró inspiración en una línea de una canción de Bruce Springsteen acerca de la espera "por un salvador que surgió de la calle." Y para esa noción del héroe de la gente, nació el personaje de Amsterdam Vallon. Cocks creó después el mundo de Amsterdam. Él explica: "Por la misma razón que fue creado Amsterdam fue también creado el personaje de Bill el Carnicero, y Jenny surge de la necesidad de Ámsterdam de tener alguna clase de respiro. No había ningún respiro en ese vecindario, así es que ellos tuvieron que crearlo juntos." La historia se desarrolla en el oscuro barrio de los Cinco Puntos de Nueva York, un paisaje legendario de departamentos y calles empedradas en el Lower East Side de Manhattan al que Asbury se refiere en su libro como "La Cuna de las Pandillas." Ahí, cada día, grupos de nuevos emigrantes irlandeses inundaban los muelles cercanos en busca del sueño americano. Como fuera, lo que les daba la bienvenida se asemejaba más a un caldero hirviendo que a un crisol. Los irlandeses fueron ampliamente detestados particularmente por los anti-emigrantes "Nativos Americanos." Los Nativos vieron a los irlandeses como invasores una amenaza para su tierra, su trabajo y la democracia por la que sus antepasados lucharon. Como devotos católicos, también tenían miedo de que le fueran leales a su iglesia antes que a la nación. Scorsese ve al choque entre lo nuevo y lo viejo como una de las pruebas más reales para lo que se supone que Norteamérica debía ser. ¿Es verdad que cualquiera era libre de entrar al país? ¿Qué definía al país sino el ser un lugar hecho de gente de otros lares? ¿Podían los emigrantes ser asimilados? ¿Podían convertirse en americanos? o ¿El miedo y la intolerancia se interpondría en su camino? "Esta fue una época extraordinaria para las clases trabajadoras y para el bajo mundo," explica Scorsese, "un tiempo en que la sociedad se desmembró en tribus, y las tribus estaban en constante guerra entre ellas. Pero a diferencia de las pandillas de hoy en día, ellos tenían una orientación política." Scorsese explica el antecedente histórico tan volátil: "La primera gran oleada de emigrantes que arribó a Nueva York vino de Irlanda durante la hambruna de la papa, de los 1840s a los 1870s. En sus puntos más álgidos, más de 15,000 emigrantes llegaban al puerto de Nueva York cada semana. Ellos no tenían trabajo, ni dinero y no podían hablar su idioma. Principalmente hablaban gaélico. Viniendo de un pasado anglo, holandés y galés, los Nativos se revelaron a los emigrantes porque ellos sentían que ellos eran los norteamericanos reales." Scorsese y Cocks después enfocaron su historia de una pandilla irlandesa en particular llamada los Conejos Muertos (el nombre de la andilla se originó en la frase gaélica "dod ráibéid," que significaba un violento y enojado barco viejo). Para el líder de la pandilla, quien era el nemesis de Amsterdam, Scorsese y Cocks basaron su personaje en un Nativo real de esa época, Bill Poole, un carnicero que luego se convirtió en un luchador conocido en todos lados como Bill el Carnicero (el Poole real murió en 1855, varios años antes de que la acción principal de la película de PANDILLAS DE NUEVA YORK tomara lugar). Él es un poderoso adversario para Amsterdam, un hombre que se ha infiltrado en la poderosísima estructura de la ciudad, y quien se hizo aliado del infamemente corrupto Jefe Tweed de Tammany Hall. Para Amsterdam, quien lamenta a un padre que nunca lo vio crecer, la obsesión por el Carnicero lo lleva a tener un desorden interno mientras desarrolla una relación casi padre-hijo aparentemente basada en la lealtad y el respeto mutuo pero oscurecida por la verdad de su pasado. Mientras Amsterdam y Bill el Carnicero se acercan a la parte climática de la película, Scorsese y Cocks también querían que ésta revelara otro lado de Nueva York nunca antes mostrado en el cine un Nueva York en medio de una Guerra Civil. La película retrata la volátil mezcla de la pobreza, la tensión racial y el conflicto general que se transformó en una especie de pólvora lista para volar en pedazos la ciudad. "La Guerra Civil hizo erupción en la ciudad de Nueva York en 1863 con una serie de revueltas llamadas "Draft Riots," las cuales fueron las peores de la historia de Norteamérica," explica Scorsese. "Estas duraron cuatro días y cuatro noches. En cierto sentido, las revueltas fueron como la Guerra traída a Nueva York. Todo era a causa del primer esbozo americano de servicio militar obligatorio instituido por el Presidente Lincoln. Todos los hombres físicamente capaces eran elegibles, pero había una excepción: uno podía pagar $300 dólares y salir exento. Para las clases trabajadoras, esto no era posible. Así es que este esbozo prendió su furia." Él continúa: "Los rebeldes destruyeron propiedades en cada esquina de la ciudad, quemando todo lo que se interpusiera en su camino. Para el segundo día, el decreto se suspendió, y la ciudad estuvo en estado de sitio. Es justo en el preciso momento en que las tropas de la Unión arriban a Nueva York para combatir a los rebeldes, que la monumental batalla a muerte entre Amsterdam y Bill el Carnicero, y sus respectivas pandillas toma lugar. El momento climático de la película está conjuntado con el clima de violencia y racismo de estas revueltas." Con el tiempo, Scorsese continuo afinando el guión de PANDILLAS DE NUEVA YORK. El ganador del Oscar Steve Zaillian ("Schindler's List") trabajó en la estructura de la historia y el galardonado dramaturgo y guionista Kenneth Lonergan ("You Can Count on Me") se concentró en el desarrollo de los personajes. Pero el tamaño y ámbito de este drama épico provocó a muchos el temor de que fuera imposible de filmar. Después de más de dos décadas de paciente tenacidad, el guión continuó refinándose. Jay Cocks comenta: "Estoy complacido que esta película haya tomado tanto tiempo porque ahora tiene mucho más facetas, y algunas de ellas vienen de nosotros con 25 años más. Debo decir que no creo que haya otro realizador en el mundo que haya tenido el compromiso y la terquedad de haber pasado por esto. Marty no se dio por vencido." * * * "¡NOSOTROS somos la gente de los Estados Unidos!" --Bill el Carnicero PANDILLAS DE YORK está poblada de una impresionante gama de neoyorquinos de un tiempo en que la ciudad era una frontera salvaje un Nueva York con libre albedrío, lleno de ladrones de bolsillo y rufianes, jefes políticos y héroes de las clases trabajadoras Todos ellos traídos a la vida por un diverso reparto. En el corazón de la historia está el huérfano Amsterdam Vallon, un instintivo sobreviviente que descubre sus talentos como valiente líder. Casi consumido por la venganza, Amsterdam finalmente descubre que su verdadero legado no él la lucha por sí mismo sino por un lugar para su gente en este Nuevo Mundo. Cuando se sugirió a Leonardo DiCaprio para que interpretara a Amsterdam Vallon, Scorsese estuvo especialmente entusiasta al respecto. "Yo le tengo una gran admiración a Leonardo DiCaprio y he seguido su trabajo en todas sus películas. Yo siempre pensé que me gustaría trabajar con un actor que tuviera los instintos que él posee. Él es la clase de actor al que yo estoy acostumbrado. Creo que su linaje es parecido al de Robert De Niro, Al Pacino y Dustin Hoffman." DiCaprio estuvo igualmente entusiasmado de trabajar con Scorsese. "Yo escuché sobre PANDILLAS DE NUEVA YORK cuando tenía dieciséis años la historia de un joven emigrante irlandés en los 1860s ubicada en el centro de la revuelta urbana más grande del nuevo mundo," comenta él. "Yo estaba tan determinado a hacer este proyecto con Marty que cambia de agencias cuando tenía diecisiete años para poder tener un contacto cercano." El actor se encontró sumergido en el viaje de su personaje, desde el enojo y la urgencia de venganza, hasta la espera para rehacer su vida. "Yo estuve influenciado por un diario que describe la vida de un joven de esa época que pasó toda su juventud en un reformatorio. El diario expresa tal desesperación, que se convirtió en un perfecto material de apoyo para la obsesión de Ámsterdam por la venganza," dice DiCaprio. "Pero cuando él llega a los Cinco Puntos, Amsterdam debe aprender a reprimir su deseo de venganza. Primero, él debe aprender las reglas y los códigos de este nuevo y poco familiar mundo." Con DiCaprio comprometido con el proyecto, se hizo un gran esfuerzo para persuadir al ganador del Premio de la Academia Daniel Day-Lewis para interpretar a Bill el Carnicero, el hombre que gobierna los Cinco Puntos con una combinación de rudeza, savia, intimidación y un fuerte sentido del honor. El proceso por el cual Day-Lewis se acerca a sus papeles, perdiéndose totalmente en las complejas personalidades de sus personaje, es ampliamente reconocido y respetado. Pero él no había aparecido en cine desde 1997 "The Boxer," y parecía tener muy poco interés en regresar a la pantalla grande. Al final, la posibilidad de reunirse con Scorsese sacó a Daniel Day-Lewis de su semi-retiro. "Recuerdo que durante la filmación de 'The Age of Innocence' todos nos sentimos sorprendidos de nuestra Buena suerte de haber participado con Marty. Fue un gran privilegio," dice Day-Lewis. "Obviamente él y yo construimos una Buena base para trabajar juntos. Está de más decir que confío en él implícitamente, y me pareció maravilloso poder trabajar con él de nuevo." Además de leer libros e investigar acerca del período, Day-Lewis incluso tomó clases con un carnicero para aprender los detalles del negocio de Bill. Él no dejó ningún área de la vida de Bill desatendida. "Para mi parte, en un sentido imaginario, yo traspasé todas las puertas que decían con letras rojas 'No entrar" sin tocar siquiera," comenta él acerca de su proceso. Mientras más se adentraba en la personalidad de Bill, Day-Lewis se encontraba cada vez más fascinado. "Parte de mi trabajo fue compartir la convicción de Bill, y es más fácil vivir con convicción que con duda," él comenta. "Él es un hombre de irrefutable convicción. Un modo de pensar muy peligroso, pero altamente gratificante y extrañamente relajante. Aún así, él vive con un castigador sentido del honor, particularmente en relación con el Sacerdote Vallon, una especie de 'yo' idealizado que en vida y muerte confronta a Bill con una profunda duda acerca de su propio valor. Esa duda es muy pesada como para vivir con ella. Para mí, considerando los tiempos y las calles en que nació, él es erróneamente un hombre honorable. Y gracias a Dios, tiene sentido del humor." Casi inmediatamente, otros personajes una galería de ladrones, vagabundos y mafiosos fueron seleccionados. Cameron Diaz firmó para el papel de Jenny Everdeane, la atractiva carterista, quien es una maestra en el robo de corazones de hombres, así como de sus posesiones. La visión de Jenny acerca de una vida lejos de la miseria y el caos de la ciudad llama la atención de Amsterdam Vallon, a pesar de los riesgos que corre al estar cerca de ella. Diaz comenta: "Esta película es el sueño de un actor hecho realidad. No hay nada mejor a lo que una pueda aspirar sino a trabajar con actores de la talla de mis compañeros, y con Martin Scorsese." Diaz también se dejó llevar por la esperanza trascendental de su personaje. "La vida es dura para Jenny hay violencia, brutalidad, asesinatos, pobreza y enfermedad por donde quiera. Pero ella ha visto otro mundo y entiende que allá afuera hay algo mejor," comenta ella. "Jenny sabe que es tiempo de moverse, pero la pregunta es: Cómo hacer eso y sobrevivir." Además, el nominado al Premio de la Academia Liam Neeson ("Schindler's List") fue seleccionado para interpretar el papel del Sacerdote Vallon, cuya integridad y principios se convierten en un recordatorio constante para su hijo huérfano, Amsterdam. Neeson describe a su personaje como "un guerrero en la tradición de la mitología celta. Él es visto como un valiente líder, pero él tiene un sentido de la justicia." Neeson también se sumergió en la revelación de la película de la historia escondida de Nueva York. Él comenta: "Si alguien me pidiera que describiera Nueva York, lo describiría como una banda elástica. Se mantiene estirándose todo el tiempo pero nunca se rompe. Este período en la historia de la ciudad definitivamente refleja eso. Esos barcos con gente de todas las naciones llegando y, aunque parecía que todo podía hacer erupción, ellos encontraron su nicho, y construyeron a partir de él. Ellos abrieron sus alas y ganaron confianza. Y el país estuvo listo para ellos." El ganador del Premio de la Academia Jim Broadbent ("Iris") toma el papel del notable Jefe Tweed, quien seduce a los recién emigrados con promesas de alimento, trabajo y cobijo a cambio de sus votos. Broadbent disfrutó la oportunidad de recrear a un personaje salido de los libros de historia, notable por ser el más corrupto político de todos los tiempos, y hacerlo de carne y hueso. "En sus días gloriosos, Tweed fue fenomenalmente exitoso," comenta Broadbent. "Él era cruel, engañaba al gobierno y a la gente ganando millones y millones de dólares hasta que lo atraparon. Otros en la historia han tratado de emularlo, y algunos quizá lo sigan tratando en estos días. Lo que fue, sigue siendo muy relevante en Norteamérica." Otros estuvieron igualmente emocionados con la oportunidad de viajar al pasado a un Nueva York del que no sabían de su existencia. Dice John C. Reilly: "Fue un infierno para quienes vivieron en esa época. Afortunadamente, mi personaje el Feliz Jack es lo suficientemente inteligente para buscarse otra opción. Él ve la pobreza, la miseria y el sufrimiento de la gente alrededor de él, y él no quiere experimentarla. Así es que decide unirse a la pandilla más grande de todas la policía." Henry Thomas, quien interpreta al joven maleante naïve Johnny, agrega: "Uno tiene que ser duro, realmente duro para sobrevivir en ese Nueva York. Mi personaje Johnny nació en ese mundo, pero no pertenece a él. No es lo suficientemente duro por dentro. Creo que él es interesante porque él es el hombre con el que el público se puede identificar, un chico desesperado atrapado en una época de locura." "Déjanos comenzar de nuevo y sumergirnos en los Cinco Puntos . . .." -- Charles Dickens Con el reparto en su lugar, los realizadores enfrentaron el reto más extraordinario: recrear el Nuevo York perdido de departamentos, burdeles y cantinas, un Nueva York que nunca ha sido visto o retratado en el cine, y que ya no existe más que en los libros, fantasmas y fotografías borrosas. Con una intensa devoción por el detalle, Scorsese sobrepasó su reputación de hacer que las cosas en la pantalla luzcan "más que reales." Para hacer eso, la producción un poco de suerte. Recientemente, un grupo de arqueólogos empezó a cavar en las profundidades del Lower Manhattan para descubrir los artefactos y estilos de vida del infame barrio de los Cinco Puntos. Scorsese y su equipo utilizó esta colección de más de 850,000 objetos, desde platos, hasta peines y juguetes de los niños. Fue el tiempo exacto, porque la colección entera (excepto por 18 objetos que estaban fuera) fue destruida y perdida para siempre cuando el edificio 6 del World Trade Center se colapsó parcialmente en los fatales acontecimientos del 11 de septiembre del 2001. Se acordó desde el inicio que en vez de apoyarse en los efectos especiales, los realizadores debían erigir el Viejo Nueva York a partir de cero, tratando de volver a capturar auténticamente el aspecto y sentimiento de esos días de carretas, caos y corrupción en las calles empedradas. Dice el director: "Nosotros creamos nuestro mundo en el espíritu del Viejo Nueva York." Pero no hicieron nada de esto en Nueva York en sí, el cual, con el tiempo, fue construido sobre el dilapidado pasado, del cual ya no queda nada. En vez de eso, la película fue filmada casi por completo en Roma, en los legendarios Estudios Cinecitta. Scorsese se sintió ahí como en su casa por su cercana afinidad con el cine italiano y su alta estima por el arte de los famosos artesanos de Cinecitta. Cinecitta tenía varios otros atributos como para recomendarlo, incluyendo el vasto espacio donde el Nueva York de 1846 y de 1863 podía ser recreado y un estudio con un enorme tanque para las escenas cruciales del puerto de Nueva York. "Yo siempre he sentido que Cinecitta tiene una magia especial por todas las grandes películas que se han filmado ahí," dice Scorsese. "Durante los muchos años en que pensé en hacer PANDILLAS DE NUEVA YORK, siempre imagine que podría ser creada con algo del arte italiano que yo vi y experimenté en películas italianas cuando era adolescente." Para excavar todavía más acerca del mundo perdido del Viejo Nueva York, Scorsese contrató a Luc Sante, autor del aclamado libro Low Life, una fascinante crónica moderna del oscuro ombligo del Viejo Nueva York, como consejero técnico. "Yo estoy interesado sobretodo en los cinturones de la sociedad, en la vida en los barrios pobres. Y ahí es donde se ubica PANDILLAS DE NUEVA YORK," comenta Sante. "Yo había hecho cinco años de investigación de ese período y estuve emocionado de poder poner ese trabajo al servicio de una película de Martin Scorsese." Sante consejero del equipo de filmación en particularidades de la vida diaria del barrio de los Cinco Puntos. Famoso por sus sucias y sobre pobladas casas y por su población políglota, así como por su cruda e inmoral vida callejera, los Cinco Puntos eran como un universo entero por sí solo. El vecindario tomó su nombre de la intersección de cinco calles del centro cerca del parque llamado Paradise Square. En el Nueva York de hoy, los Cinco Puntos estarían localizados en el noreste de City Hall, esencialmente en el sitio de la Corte Federal. "Los Cinco Puntos parecía más un pueblo del Oeste que un barrio de la ciudad de Nueva York actual" Observa Scorsese. Y es ese nuevo y salvaje paisaje urbano, lo que Scorsese y su equipo querían evocar en la pantalla. Para recrear los Cinco Puntos, el diseñador de producción Dante Ferretti, en su quinta colaboración con Martin Scorsese, construyó un lugar con chozas de madera, caminos de Madera, estructuras de cemento y ladrillos (hechos con fibra de vidrio), después cavó carreteras sucias e hizo calles empedradas sobre quince acres de Cinecitta. Él erigió docenas de estructuras incluyendo el exterior de la antigua cervecería, tiendas de abarrotes, un monte de piedad, varios hoteles debilitados, los restos achicharrados de un edificio quemado, edificios y cantinas cerca del muelle. Otros exteriores incluyen la sección del puerto de Nueva York, con dos grandes barcos como aquellos utilizados para transportar emigrantes de Irlanda a Norteamérica y un "ferry" de los Soldados de la Guerra Civil en el muelle. El equipo también creó un agrandado Lower Broadway, la sección de la clase alta de la ciudad en esa época, presentando el Edificio Tribune, el Museo de P. T. Barnum, el Restaurante Delmonico, elegantes tiendas y hoteles, así como varias residencias privadas y la Iglesia Católica del vecindario, basada en el diseño de la Catedral de San Patricio en la Calle Mulberry. Locomotoras de vapor fueron recreadas basándose en las encontradas en el Museo de Fuego de Nueva York. Entre los interiores creados en Cinecitta estuvo el punto más importante de Cinco Puntos: la húmeda y vieja cervecería que sirve como hostal para la constante oleada de emigrantes, así como de guarida para los peores criminales del pueblo. Luc Sante llama a este edificio "un basurero humano de proporciones casi míticas." Como no ha fotos o dibujos sobre el interior de este edificio, Ferretti basó sus diseños en una cervecería del mismo período encontrada en la Diderot's Encyclopie. Martin Scorsese comenta: "Nosotros cortamos el edificio como una rebanada de pastel para mostrar los diferentes cuartos de la cervecería donde la gente sobrevivía. Tenía puentes conectivos y gente viviendo en un túnel subterráneo. Nosotros mostramos cómo vivía la gente difícilmente en estos hoyos cúbicos." Otro interior clave es la Pagoda China de Sparrow, que funciona como club nocturno chino, restaurante, casino, burdel, escondite de opio e incluso- de teatro. La Pagoda es esencialmente una creación en conjunto entre Scorsese y Ferretti y uno de los diseños más elaborados de la película. Basada en una fantasiosa versión de una estructura real de la época llamada The Chinese Assembly Rooms, otro edificio del cual no existen imágenes, la inspiración principal de la Pagoda vino de la película de 1946 de Joseph Von Sternberg "The Shanghai Gesture." "Marty no quería que yo copiara el set de la película de Von Sternberg," comenta Ferretti. "Él quería que tuviera la sensación del lugar, y que trabajara desde ahí." El punto central de la pagoda es el área del escenario desde donde se establecen espacios para mesas puestas en grupos en diferentes niveles detrás de balaustradas decoradas con 'gorgons' y dragones. Encima hay un enorme candelabro de Madera iluminado con velas; También suspendido del techo hay jaulas de bambú con mujeres jóvenes vendiéndose al mejor postor. Para crear el "Satan's Circus" (El Circo de Satanás) el bar, club social y carnicería que funciona como el cuartel norteamericano de "Bill el Carnicero," Feretti buscó lograr un ambiente de claustrofobia y un sentido de amenaza. "El salón principal, largo y estrecho, te hace sentir como si estuvieses bajo tierra. También refleja el modo en que muchos edificios de madera de Nueva York eran construidos en esa época. En cualquier lugar se construía un espacio sin ningún diseño formal, ni planos," dice Ferreti. "En el Satan's Circus, las raíces de un gran árbol que crecen en la calle, y se han abierto camino atravesando el techo del bar. Estas raíces parecen la mano de un esqueleto, algo que simboliza una muerte viva, que es lo que Marty quería." La creación de estas escenografías requirió de una intensa investigación y cuando la investigación llegó a sus límites, requirió también de la poderosa fuerza de la imaginación. Ferretti se inspiró en las litografías, impresiones, libros de grabados y fotos-daguerrotipo de la época. Él también fue influenciado por imágenes de épocas posteriores, especialmente por las famosas fotos de las secciones más pobres de la ciudad de Nueva York de Jacob Riis. Posteriormente, Ferretti se fue a los extremos de la opulencia al crear Tammany Hall y las lujosas oficinas del Jefe Tweed, con sus pesos de parquet, su escritorio de caoba y sus sillones de piel, así como alrededor de cincuenta jaulas de canarios, cada una ocupada por una o más gorjeantes criaturas. Al centro de la habitación se encuentra una funcional "Caja de Cólera," lo suficientemente grande para una sola persona: el mismísimo Jefe Tweed . En Roma, Ferretti creó modelos y maquetas para todas las escenografías, estudiando cada una de ellas con todo detenimiento en compañía de Scorsese. "Yo siempre trabajo con modelos," dice Ferretti. "Son esenciales porque son tridimensionales. Cuando el director ve los modelos, yo creo que eso le ayuda a dilucidar exactamente como quiere que se hagan las tomas." Mientras Ferretti y Scorsese se pusieron de acuerdo en la apariencia de cada set, una multitud de carpinteros, yeseros, pintores, escultores, herreros y hojalateros comenzaron a trabajar a marchas forzadas para que el Nueva York del siglo XIX que en la realidad fue construido en un siglo, pudiese terminarse en unos pocos meses. Llegar al estudio y adentrarse en el mundo tan intenso como el del Nueva York de 1860, constituyó una experiencia mágica que desataba la imaginación tanto del reparto como del equipo. "Cuando vi por primera vez los sets, me sentí completamente arrebatada. Pensé: esto no puede ser real," dice Cameron Diaz. "Y sin embargo lo era. Pero lo que más me impresionó fueron los cientos de extras que realmente daban la impresión de habitar el set, haciendo como si siguieran con sus vidas. Yo nuca imaginé que eso pudiera tener una apariencia tan real." Luc Sante añade: "Caminar por los sets de Ferretti era muy desorientador, como una experiencia de la máquina del tiempo. Cada edificio se veía como si hubiera estado ahí desde el siglo XVIII. Parecía que Marty había capturado lo que nosotros nos habíamos propuesto hacer : ser fieles al sentimiento del periodo, con una exactitud poética ." Según la filmación siguió su camino, todo mundo adquirió el sentido de la escala masiva y del alcance de la película. Hay más de 100 papeles hablados en PANDILLAS DE NUEVA YORK, y antes de que se terminara la película, se acumularían más de 22,000 horas-hombre de interpretes de fondo. Muchos de los actores de fondo aparecían en papeles específicos a lo largo de la acción de la película. Siendo en su mayor parte italianos, los extras escogidos, tenían pelo rubio y complexión clara para que pareciesen irlandeses. Un gran número de extras fue reclutado en las bases locales del ejército y la marina de los Estados Unidos. Como productor ejecutivo, Michael Hausman explica, "Aunque existen una o dos escenas en las que hacemos trabajo de pantalla azul y efectos especiales, la mayor parte lo que uno ve en la pantalla es una descripción exacta de lo que estaba sucediendo en el set. En ese aspecto esto es lo tradicional, una filmación épica. La atmósfera era auténtica y ello contribuyó al sentido avasallador de realidad que comunica la película." En todos aspectos Scorsese estuvo encantado con la experiencia de filmar en Cinecitta. "Generalmente trabajo en Nueva York, de manera que me sentí en cierto modo consentido al tener a mi alcance al Nueva York que necesito justo frente a mi, y en todo momento. Fue mucho más fácil cruzar la ciudad en Cinecitta, que hacerlo en la Ciudad de Nueva York." "Con este cuchillo que lo derribó, déjenme darle descanso al fantasma de mi padre " -- Amsterdam Vallon PANDILLAS DE NUEVA YORK lleva al público de vuelta a un tiempo en que el conflicto enfurecía a Norteamérica tanto en el campo de batalla como en las calles. Era un tiempo de batallas primitivas, frecuentemente peleadas cuerpo a cuerpo con armas caseras y una brutalidad espeluznante. Scorsese quería revelar un mundo con reyertas callejeras tan salvajes, armamentos tan extraños y formas de pelear tan poco comunes, que pareciese casi medieval- o tal vez futurista. Para el espectador del siglo XXII, el estilo de pelear de Leonardo DiCaprio puede parecer extraño, pero fue verdadero en su momento. Para aprender más sobre los métodos auténticos de pelea de 1860, Scorsese trajo al coordinador de dobles de acción George Aguilar y al consultor de peleas Dominic Vandenberg, quienes trabajaron en forma cercana con los actores para asegurarse que adoptaran la manera formal de mantenerse en pié que adoptaban los peleadores de aquellos tiempos, cuando intercambiaban golpes. Aguilar y Vandenberg también descubrieron el armamento poco usual que se utilizaba en las peleas callejeras. En la pelea de 1846 entre el Sacerdote Vallon y Bill el Carnicero la pelea que determinaría quien iba a quedar en control de los Cinco Puntos las armas eran objetos cotidianos convertidos en objetos mortales. Explica Aguilar, "Sus armas eran literalmente del estilo de los objetos de jardín. Palas, picos, azadones y hachas. Y ellos llevaban cachiporras de madera y hasta mazos. No hay armas de fuego involucradas en los encuentros, de manera que la tarea era encontrar formas imaginativas de peleas con las armas de mano." Toda la acción en PANDILLAS DE NEUVA YORK conduce a la inexorable y monumental batalla final entre Amsterdam y Bill en Carnicero sobre el telón de fondo de los disturbios del reclutamiento. Sobre estas escenas, una apoteosis de todo lo que ha pasado anteriormente, emerge el drama personal de los dos hombres con el cataclismo que ha sobrecogido a todo el país- la Guerra Civil. El número de aquellos involucrados en la escena era una preocupación para George Aguilar. Él cuenta: "En lugar de un ciento de Conejos Muertos contra un ciento de Nativos Norteamericanos, teníamos varios cientos trabajando, que incluían a los miembros de las bandas y al populacho local , así como a los batallones de soldados de la Unión convergiendo en la ciudad. Nosotros enfocamos la filmación de cada episodio como si nos encontráramos en el ejército, y dividimos los cientos de intérpretes en grupos de pelotones más pequeños. Colocamos a una persona a cargo de cada grupo. El encargado haría llegar las indicaciones de Marty a su grupo." El número de dobles y el alcance de la acción hizo que el director de las unidades de acción Vic Armstrong, también filmara durante los disturbios. "La escena de la batalla final de la película es muy diferente de la secuencia inicial," dice Armstrong. "La llegada de las tropas para apaciguar a los amotinados es una auténtica cortina de fuego de artillería. Es una secuencia de pura acción y en ella hay mucho color. En ella tenemos detonaciones de explosiones, incendios y una multitud de amotinados enloquecidos que rompen ventanas, saquean edificios, incendian y atacan a la gente indefensa. Mi trabajo consistía en trabajar con los detalles de la filmación ventanas que se hacía añicos, pies que marchan, soldados anónimos que disparan una y otra vez." A pesar de la pelea que devora a los Cinco puntos durante los disturbios del reclutamiento cargas explotando por todos lados y la matanza multiplicándose la batalla entre Amsterdam y Bill el Carnicero termina siendo el combate de un hombre contra otro. "No queríamos nada que pareciera muy moderno," dice Aguilar. "En aquellos días, una pelea era estilizada, ritual. Era viciosa, absolutamente feroz. Los oponentes salían a mutilarse unos a otros. Uno usaba las partes de su propio cuerpo como armas. Había topes y cabezazos, ojos sacados de sus órbitas, y orejas mordidas. El asunto era rudo y devastador, bajo y sucio, sin misericordia." DiCaprio y Day-Lewis trabajaron por meses con Scorsese y Aguilar para perfeccionar su estilo de pelea. "Me empecé a preparar físicamente para este papel como once meses antes de la fecha del comienzo de la filmación," dice DiCaprio. "Mi régimen incluyó el entrenamiento con pesas, lanzamiento de cuchillo y varios métodos de lucha de la época. Amsterdam tiene pocas ventajas sobre las hordas de personajes mal vivientes de los Cinco Puntos. Además de ser físicamente rudo, el tiene la determinación que se deriva de un gran anhelo de venganza y la astucia de un hombre que ha pasado dieciséis años planeando cada movimiento." A pesar de toda la furia de las secuencias de lucha, los actores también encontraron algo alentador en las viejas tradiciones. Dice Liam Nelson: "Cuando los hombres peleaban aunque lo hacían salvaje y brutalmente- seguían un código de ética ." "¿Amsterdam? Yo soy Nueva York." -- Bill el Carnicero También en la recreación del Viejo Nueva York participó el entrenador de diálogos Tim Monich, quien tuvo a todos en el set hablando como lo hacían los nativos del bajo Manhattan en el siglo XIX los cuales tenían su acento distintivo de Nueva York y su propio y espectacularmente imaginativo caló criminal. Aquí es donde nacieron términos como "crib" (pesebre) en lugar de "casa vieja" o "fenced" (cercado) para referirse a "vender objetos robados," entre muchos otros . Nos explica Monich: "El reto para nosotros era hacer que los personajes sonaran como rudos individuos callejeros de la clase obrera de Nueva York y que se mantuvieran apartados de cualquiera de las asociaciones étnicas de la ciudad de Nueva York de nuestros días." Además de la extensa investigación, Monich tuvo que apoyarse eventualmente en parte de su propia imaginación lingüística. "Los años de los 1840s a los 1860s son muy remotos para grabaciones," nos dice, "de modo que tuve que recurrir a las fuentes de la época, escritos humorísticos, poemas, baladas y recortes de periódico, para darme una idea de cómo sonaban las personas de Nueva York en esos días. También escuché antiguas grabaciones de personas que nacieron y crecieron en esa época, por ejemplo las grabaciones de Walt Whitman." Monich ayudó a cada actor a amoldar las características auténticas del lenguaje a las personalidades de sus respectivos personajes. "Daniel Day-Lewis trabajó muy duro para crear la manera única de hablar de Bill el Carnicero," él comenta. "Él decidió que Bill era una persona letrada que sabía como leer y escribir. De manera que ¿Qué leía la gente en esos días? Primero que nada la Biblia, de manera que Daniel y yo leímos en alto la Biblia juntos, teniendo el texto, le dimos forma a algunos sonidos. También leímos a Whitman. Daniel quería hacer algo diferente con el ritmo del diálogo con el que él hablaba. Uno piensa de los neoyorquinos de hoy en día son gentes que hablan rápido, pero Daniel no quería eso. Él quería algo deliberadamente lento. Marty encontró eso muy interesante." Continua Monich: "De la misma manera, Leo y yo hablamos acerca del pasado de Ámsterdam. Ámsterdam vino a América de Irlanda, y fue criado entre emigrantes irlandeses quienes podrían haber hablado en gaélico, o inglés con un espeso acento, de manera que su pronunciación probablemente tendría un acento. Pero durante los 16 años que pasó en el reformatorio endurecieron su diálogo, de manera que concluimos tener esta mezcla de acento irlandés y americano. El personaje de Cameron era similar. Ella también vino a América de niña y vivió en los Cinco Puntos. Pero como ella fue recogida a una corta edad por americanos, ella adquirió patrones de diálogo más naturales." Monich se refiere a sí mismo como 'el policía de pronunciación de época' en el set, pero el concepto fue muy importante para crear una impresión de Nueva Cork como una Torre de Babel. "Ocasionalmente Daniel insertaba una palabra whitmanesca en el diálogo, y también incorporaba algunas citas de la Biblia," Dice Monich. "Nunca olvidare la primera vez que Leo improvisó la palabra 'Okay.' En el momento que Marty grito 'Corte,' Leo vino corriendo a disculparse. Lo siento. Yo sé que no puedo decir la palabra 'Okay,' en Titanic me dijeron que nunca debía decirla, pero no estuve de acuerdo. 'Okay' es una expresión norteamericana muy antigua de antes de la Guerra Civil. Hay un poco de controversia acerca de su origen, pero creo que deriva de la manera de decir 'All Correct.' Yo le dije que estaba perfectamente bien para mí que él la usara." La tarea de Monich no incluyó tan sólo trabajar con los estelaresél también tuvo que levar la guía de los acentos de las más de 100 partes habladas. "Casi nadie en esta película habló con su acento real," él observa. "Tuvimos irlandeses como Brendan Gleeson e ingleses como Jim Broadbent interpretando a norteamericanos. Por otra parte, había norteamericanos interpretando emigrantes irlandeses. Fue un revoltijo de acentos diferentes, lo que siempre ha pasado en Norteamérica." Para su parte, Diaz se dio cuenta que trabajar en su acento era un aspecto para llegar al corazón de su personaje. "Jenny vino de Irlanda con su madre y quedó huérfana muy joven," ella comenta. "Ella se fue con Bill el Carnicero y aprendió de él todo lo que necesitaba para sobrevivir, ya fuera vender su cuerpo o cometer un pequeño crimen. Ella probablemente imitaba su patrón de diálogo también." Henry Thomas es otro actor que llegó a entender muy bien su personaje por medio del lenguaje. "Leí un libro llamado The Rogue's Lexicon, el cual es básicamente una enciclopedia de 'Slang' del período en el bajo mundo del siglo pasado. Él explica, "Ayudó mucho tener una idea del lenguaje, y también me ayudó a ver que tan autentico era nuestro guión. Es fascinante como persisten algunas palabras en el lenguaje de hoy en día, como 'sharp.' Ejemplo: 'someone looks sharp.'" Thomas nunca se sintió consternado por tener que usar el acento. "Había mucha libertad hacia los actores para escoger y seleccionar de dónde venía su personaje," él continúa. Nueva York es una amalgama en cada sentido de la palabra, de manera que fue muy interesante jugar con eso." "La primera guerra por ganar no es abajo en Dixie ¡Es aquí, en estas calles!" -- Monk McGinn Mas allá del lenguaje y el escenario auténtico, Scorsese quería que el aspecto de PANDILLAS DE NUEVA YORK capturara la casi calidad alucinatoria de esta ciudad de Nueva York como nunca nadie la hubiera retratado en los tiempos modernos. Para esto, él colaboró con el director de fotografía Michael Ballhaus su sexto trabajo juntos. "Filmar con Marty es un gran placer por que él es muy visual," dice Ballhaus. "Él tiene muchas imágenes en su cabeza, y lograr su visión y traerla a la pantalla es fantástico. Debo decir que yo siento que éste es el proyecto más emocionante en el que Marty y yo hemos trabajado juntos. La película tiene tantos elementos acción, una gran historia de amor, un conflicto tipo padre e hijo. Creo que ésta es la primera película que trata acerca de éste período de Norteamérica, y eso es muy excitante." Desde el principio, Ballhaus y Scorsese querían conjurar un hechizo para la iluminación de la película. "Antes que empezáramos a filmar, Marty me dio un libro de Rembrandt que discutía de la gran filosofía de la luz del pintor," recuerda Ballhaus. "Queríamos entenderlo porque queríamos mantener muy simple la fuente de luz en la película -una vela, una antorcha, fuegos ardiendo en la calle." Él continúa, "en esos días, había humo y bruma en todas partes. Fue antes de la electricidad. Se usaba la luz de petróleo, y la gente fumaba mucho. Las cosas estaban siempre en llamas, muchos pequeños fuegos por todas partes. Yo usé muy pocos filtros por el humo, y en algunas escenas muy poca luz. La mayoría de las escenas de la película toman parte en una parte del pueblo que es muy pobre, de manera que hay mucha oscuridad y muy poco color." Ballhaus también trabajó muy cercano al diseñador de producción Ferretti. "Dante es un artista increíble. Sus sets son construidos como si fueran reales, lo que te permite trabajar como si de hecho estuvieras filmando en locación. Pudimos hacer algunas tomas con gran angular, filmando en todas direcciones." Él continúa, "Por ejemplo, hicimos una toma del muelle de noche, empezando cerca de una pareja de mujeres dolientes que están caminando solas. Se ven los ataúdes de sus seres amados, y después la cámara sube y vemos las filas de otros ataúdes. La cámara sigue subiendo sobre los barcos y después se cristaliza sobre el agua. También hicimos una toma muy complicada en la Pagoda China, empezando con Bill el Carnicero en la pagoda con la cámara detrás de él mirando a la audiencia. Bill está dando un discurso sobre América mientras que está lanzando cuchillos a blancos humanos. La cámara pivotea a su alrededor rápidamente y después regresa a su posición inicial, de manera que uno tiene la oportunidad de ver la pagoda completamente en una toma." La diseñadora de vestuario ganadora del Premio de la Academia Sandy Powell, está trabajando con Scorsese por primera vez, ella también tuvo un papel crucial en la creación del ambiente de esta otra ciudad de Nueva York: un mundo de hombres y mujeres con harapos de indigentes y fastuosa ropa victoriana. Ella empezó a mirar todas las fotografías existentes del período que pudo encontrar. "Es un periodo inusual, no muy mostrado en las películas, pero tuvimos suerte," ella dice. Las fotografías de daguerrotipo habían sido recién inventadas, de manera que teníamos imágenes. Y también tuve acceso a los ríos de información que Marty había buscado. No quise depender demasiado de la información. Marty era muy específico. Él quería crear un mundo que no se hubiese visto antes, pero un mundo que estuviera basado en la realidad. Yo tomé eso como guía." Una de sus primeras tareas fue buscar la manera de visualmente diferenciar las varias pandillas. "Por supuesto las pandillas no usaban uniforme, pero yo quería que cada una tuviera su propio estilo. Una cosa que aprendí acerca de los Conejos Muertos fue que cuando ellos iban a la batalla cada uno tenía una raya roja que corría a lo largo de sus pantalones. Yo usé eso como su motivo, incorporando la franja en sus camisas y algunas de las cosas de su ropa. Los Nativos se veían diferente. Ellos tenían más dinero y se veían más caballero. También usaban sombreros de chimenea distintivos." Powel se divirtió mucho diseñando el guardarropa de Bill el Carnicero, el más deslumbrante y elegante de los pandilleros. "Marty tenía ideas muy fuertes acerca de Bill el Carnicero," ella recuerda. "Él lo quería como un dandi. Justo como viven los mafiosos de hoy, en casas modestas pero usan ropa deslumbrante y cara, de esa manera él quería que vistiera a Bill y los Nativos." Daniel Day-Lewis también tenía nociones específicas de cómo debería aparecer Bill el Carnicero. "Daniel quería acentuar su largura," dice Powel. "El personaje usa un largo abrigo en muchas escenas, es como la firma en su manera de vestir bajo la cual esconde su mortífero cinturón de cuchillería. El abrigo acentúa la estatura de Daniel y su complexión. Él es muy delgado y nosotros acentuamos ese aspecto, haciéndolo parecer largo y delgado, con ropajes muy ajustados. Esto él da una apariencia arácnida, también lo vestimos con locos patrones brillantes, con cuadriculados y rayitas. Otra cosa que hice para acentuar el color fue usar telas impresas africanas. Son muy vibrantes y si tú las usas dentro del contexto victoriano no se ven fuera de lugar." Day-Lewis dice: "Antes que empezara la filmación, Sandy y yo tuvimos la oportunidad de vernos en Dublín y hablar de nuestras ideas. Ella habló desde su punto de vista y yo lo hice desde el mío. Ella me mostró una colección de imágenes, fotografías, dibujos, ideas tomadas de aquí y de allá que empezaron a revolver en su imaginación. Y después cada quien tomó su camino. Para mi asombro, un mes después encontré la ropa que ella había creado, y bueno estaba ciertamente sorprendido a su respecto. No había imaginado al personaje como a un pavoreal. Fue un momento de descubrimiento para mí, uno maravilloso. De pronto se te presenta algo que cambia un poco lo que estabas pensando, y de que cuadra perfectamente. Así fue como sucedió aquí." La apariencia de los pandilleros y la manera en que vestían estimularon la imaginación de todo el reparto. Resume Leonardo DiCaprio: "Yo relaciono todo con las pandillas de los 80s en Los Ángeles que existieron durante mi niñez, los Crips y los Bloods. Cada una de esas pandillas tenía una pieza de ropa que los distinguía como miembros, algo que sólo ellos podían distinguir, que les señalaba quién pertenecía y quien no. Me imagino que era lo mismo con los Conejos Muertos." El diseño de la ropa de las mujeres para PANDILLAS DE NUEVA YORK - y especialmente el vestuario de Jenny, quien se mueve entre la rica aristocracia de Nueva York y los poco placenteros y peligrosos Cinco Puntos - también le dieron a Pawell un nuevo reto. "El vestuario de Jenny en la Villa Borghese es tradicional victoriano, con la silueta tradicional victoriana creada con crinolinas," dice Powell. "Contrasta grandiosamente con la ropa que ella usa en los Cinco Puntos. Para la mujer en los Cinco Puntos, lo importante para nosotros era alejarse de la silueta victoriana y las crinolinas." "La tarea era averiguar cómo hacer que esa mujer de ese mundo sobresaliera junto con los hombres, porque Marty quería que Jenny y sus chicas formaran una pandilla. Yo quería que lucieran rudas. Tuve suerte al descubrir en los libros de referencia de imágenes de mujeres que ellas usaban pantalones bajo las faldas en los 1850s. Ellas eran llamadas Reformadoras de Vestido, un grupo de feministas de la época cuyo movimiento no prosperó. Ellas hicieron pantalones de materiales que cortaban de sus faldas. Y también usaban chamarras y chalecos como los hombres. Así fue como vestimos a Jenny." Durante todo el proceso, Powell estaba impresionada por el intenso interés y conocimiento de Scorsese acerca de vestuario. "Él entiende y ama a la ropa," ella denota. "Y él tiene la más fantástica memoria es un maestro del detalle. Puedo mostrarle fotografías de referencia y meses después él todavía retiene lo que vio. Él diría, 'Sí, ese es un abrigo de 1857, y el otro abrigo no estuvo de moda sino hasta 1860. Él es capaz de saber la diferencia." El personaje de Bill el Carnicero tiene otra apariencia peculiar que lo mantiene aparte. Él usa un ojo de vidrio para reemplazar el que perdió en la batalla, y grabado en su ojo está el emblema del águila americana. Para crear el efecto del ojo falso, el maquillista Manlio Rochetti, ganador del Premio de la Academia, creó un lente de contacto suave que pudiera insertar en el ojo de Daniel antes de empezar cada día de filmación. "La película fue un reto para mí porque no-solo hice el maquillaje sino también los efectos especiales de maquillaje. El ojo de Bill el Carnicero fue uno de los efectos, pero hubo muchos otros," dice Rochetti. "Algunos de ellos fueron horribles. Hicimos una toma en una batalla en la cual alguien inserta dos dedos en la boca de otro y abre su cara desde su mandíbula. Teníamos que crear una cabeza mecánica para el actor para simular la rotura de la carne. Esas escenas son hechas para asustar sino para mostrar la brutalidad de la época y la guerra entre las pandillas." Leonardo DiCaprio también tuvo que pasar por un maquillaje extensivo en las escenas después de que recibe una salvaje golpiza por parte de Bill el Carnicero y es cuidado por Jenny. DiCaprio requería sesiones de cuatro horas de maquillaje para poder revelar al personaje en su estado más estropeado y vulnerable. "Marty sintió que era necesario mostrar que la recuperación de Amsterdam era gradual y que, de hecho, tomó mucho tiempo, de manera que desarrollamos cinco diferentes etapas de recuperación para mostrar la progresión del tiempo," dice el maquillista de DiCaprio Sian Grigg. "El proceso de maquillaje para todo esto involucró el uso de prótesis, un proceso larguísimo. Fue una nueva experiencia para Leo. Significaba sentarse inmóvil por un largo período de tiempo, pero creo que lo disfrutó." DiCaprio también contribuyó con numerosos conceptos del cambio de apariencia de Ámsterdam, el cual se eleva con sus fortunas. Grigg dice: "Al principio de la película, Amsterdam está recién liberado del Reformatorio, pero mientras la película progresa, él se pone en forma. Leo tomó parte en la discusión acerca de cómo revelar los cambios dentro y fuera de su personaje. Él tenía muy buenas ideas." * * * La filmación de PANDILLAS DE NUEVA YORK terminó el 30 de marzo del 2001 después de 137 días de filmación. Luc Sante, el historiador y escritor quien vio con terror como el desaparecido Nueva York que le dio vida a la nueva ciudad moderna resucitaba, resume: "(La película) trae a la vida una época de la cual sólo conocemos historias repetidas y gente que ahí algo más que sus nombres. Para hacer esta historia palpable requerimos de un acto de imaginación colectiva." 'SLANG' CRIMINAL: el glosario de los Cinco Puntos (Con definiciones del The Rogue's Lexicon de George Matsell, 1859) ANGLERS:Ladrones que ponen un gancho al final de un palo, con el cual ellos roban. AUTUM DIVERS: Carteristas que trabajan en las iglesias BLUDGET: Una ladrona que atrae a sus victimas a obscuros callejones para robarlos BOARDING- SCHOOL:Penitenciaría CRUSHER: Policía DANCING: Subir a escondidas al piso superior para cometer un robo GANDER:Un hombre casado que no vive en casa con su mujer GROANERS:Ladrones que atienden a los sermones de caridad y después roban a la congregación HIGH TIDE: Mucho dinero LACED MUTTON:Una mujer común PARTIAL: Poner la mano en el bolsillo de otro hombre POLISHER: Un hombre en prisión QUEEN DICK:Nunca sucedió ROUGHS: Un hombre listo para pelear de cualquier forma o manera SAND:Temple, agallas STAG: Alguien que ha entregado evidencias de estado STAR- GAZER:Prostituta o callejera STEPPING- KEN:Una casa de baile SWAG: Robo WOODEN- COAT:Un sarcófago Época de las Pandillas de Nueva York 1800:Ciudad de Nueva York.Población: 60,000 1825: Canal Erie completado 1830: Las primeras pandillas de los Cinco Puntos formadas, incluyendo a los 'Conejos Muertos' 1834:Los Nativos Americanos establecen un grupo político 1845:Empieza la gran hambruna irlandesa 1847:La emigración irlandesa a Nueva York aumenta 1855:La población de la ciudad ahora es de 800,000 1857:Primera revuelta en los Cinco Puntos 1861:Empieza la Guerra Civil 1863:Los disturbios toman lugar en las calles de Nueva York Acerca del Reparto LEONARDO DICAPRIO (Amsterdam Vallon) Leonardo DiCaprio nació en 1974 en Hollywood, California y asistió a la escuela primaria Seeds de la UCLA donde tomó cursos de actuación antes de cambiarse al Centro para estudiar en Los Ángeles. Después de Seeds, Leonardo asistió a la escuela preparatoria John Marshall en Los Feliz, donde actuó en su primera obra, "Circus Fantasy." En 1988, a los los catorce años, Leonardo empezó a aparecer en una serie de comerciales y películas educativas. Al final de ese año, él hizo su debut actuando en la televisión en la nueva versión del programa clásico de los sábados por la mañana "Lassie." En 1999, después de aparecer en la telenovela diurna de la NBC "Santa Barbara," Leonardo fue escogido para una pequeña parte en la serie de horario estelar "The Outsider." Después, ese mismo año, él se convirtió en un actor regular de "Parenthood." En 1991, Leonardo fue seleccionado para su primera película "Critters III." Más tarde en ese año, él fue invitado a unirse al reparto de la comedia de situaciones de la ABC "Growing Pains." Después, Michael Caton-Jones le dio a Leonardo el papel de Tobias Wolff en la adaptación a la pantalla grande de la novela de Wolff "This Boy's Life," donde Leonardo actuó al lado de Robert De Niro y Ellen Barkin. En 1993, el director suizo Lasse Hallstrom seleccionó a Leonardo para el papel de Arnie en la película aclamada por la crítica "What's Eating Gilbert Grape?" Su actuación le otorgó una nominación al Premio de la Academia por Mejor Actor de Soporte. Él tenía 19 años. En 1995, Leonardo actuó con Sharon Stone y Gene Hackman en "The Quick and the Dead," de Sam Raimi, y el mismo año estelarizó la adaptación para cine de las memorias autobiográficas de Jim Carroll, "The Basketball Diaries." Después interpretó al confundido poeta pan-sexual Arthur Rimbaud en la versión para cine de Agnieska Holland de la obra de Christopher Hampton, "Total Eclipse." Como la mitad de los amantes fugaces, en la adaptación a la pantalla del director australiano Baz Luhrmann de la obra "Romeo + Juliet de William Shakespeare," Leonardo hizo pareja con Claire Danes. Él también fue presentado ese mismo año como el hijo delincuente (casi criminal) de Meryl Streep en "Marvin's Room," co estelarizada por Diane Keaton y Robert De Niro. En 1996, Leonardo estelarizó la película ganadora del Premio de la Academia de James Cameron "Titanic," al lado de Kate Winslet. Después, él protagonizó "The Man in the Iron Mask" con Gerard Depardieu, Jeremy Irons y John Malkovich. Leonardo es el dueño de la posición número uno en taquilla durante la mayor parte de 1998 con "Titanic," y virtualmente se mantuvo en ese lugar con "The Man in the Iron Mask." Leonardo entonces participó en la película de Woody Allen "Celebrity," antes de empezar la producción de la adaptación a la pantalla grande de Danny Boyle de "The Beach," la novela mejor vendida de Alex Garland, la cual fue filmada en Tailandia. Además de PANDILLAS DE NUEVA YORK, Leonardo estelariza la película a estrenarse en diciembre del 2002 "Catch Me If You Can," dirigida por Steven Spielberg y co-estelarizada por Ton Hanks. DANIEL DAY-LEWIS (Bill el Carnicero) Desde sus primeros papeles, Daniel Day-Lewis impresionó a las audiencias y a la crítica de la misma manera, cambiando fácilmente de colorido roquero punk en "My Beautiful Launderette" a delicado y pomposo pretendiente victoriano en "A Room With A View" de Merchant-Ivory. Ambas actuaciones le otorgaron el Premio del New York Film Critics Circle en 1986 al Mejor Actor de Soporte. Él hizo su debut cinematográfico en 1971 con un desacreditado papel en la película "Sunday Bloody Sunday" de John Schlessinger, seguida por papeles de soporte en "Gandhi" y "The Bounty." Aunque Day-Lewis ha seguido apareciendo con una gran actuación tras otra, fue su papel como escritor, artista y enfermo de parálisis cerebral Christy Brown en "My Left Foot" del director Jim Sheridan la cual ganó el Premio de la Academia al Mejor Actor. Él recibió su segunda nominación al Premio de la Academia por "In the Name of the Father," su segunda colaboración con Sheridan la historia real de un hombre injustamente encarcelado por 15 años. Su amplio rango de papeles incluyen al aventurero americano hawkeye en "The Last of the Mohicans," y al aristocrático arquero del nuevo mundo en su primera colaboración con Martin Scorsese, "The Age of Innocence." Los créditos adicionales de Day-Lewis incluyen la versión fílmica de Philip Kaufman de "The Unbearable Lightness of Being,"en la cual fue aclamado por su memorable actuación en el papel principal; y en el clásico de Arthur Miller, "The Crucible," en la cual interpretó al Puritano John Proctor junto a Winona Ryder, dirigida por Nicholas Hytner. Más recientemente, Day-Lewis fue visto en "The Boxer," dirigida por Jim Sheridan. Day-Lewis estudió en la Escuela Old Vic Bristol. Después dedicó una década en los 70s y principios de los 80s al teatro, apareciendo con La Compañía Teatral Old Vic Bristol, la Compañía Real de Shakespeare y el Teatro Nacional Real, entregando notables actuaciones en "Another Country," "Dracula," "Futurists" y "Hamlet," en la cual él hizo el papel principal. CAMERON DIAZ (Jenny Everdeane) Cameron Diaz hizo su debut cinematográfico a la edad de 21 años, cautivando a las audiencias como la mujer fatal en la exitosa película de Jim Carrey, "The Mask." Ella continuó su debut con la pequeña película independiente "The Last Super," y después apareció en la historia de amor de Steven Baigelman, "Feeling Minnesota," en la cual actuó al lado de Keanu Reeves y Vincent D'Onofrio. Cameron después apareció en la película de Edward Burns "She's the One," y después lo hizo junto a Harvey Keitel y Craig Sheffer en "Head Above Water." En 1996, Cameron fue nombrada la Estrella femenina del Mañana en el ShoWest' por la Asociación Nacional de Dueños de Teatros. Su siguiente película, "My Best Friend's Wedding," se convirtió en uno de los más grandes éxitos de 1997, y su actuación le otorgó un Premio Blockbuster Entertainment, a la Actriz Favorita de Soporte en una comedia. En "A Life Less Ordinary," dirigida por Danny Boyle ("Trainspotting"), Cameron actuó al lado de Ewan MacGregor. Por su actuación en la exitosa comedia romántica de Peter y Bobby Farrelly, "There's Something About Mary," Cameron fue nombrada Mejor Actriz del Año por el New York Film Critics' Circle. Su actuación también le otorgó una nominación al Globo de Oro, el Premio Blockbuster Entertainment a la Mejor Actuación Femenina, el Premio Netherlands Rembrandt y el Premio MTV Movie a la Mejor Actuación Femenina. Después de la comedia obscura "Very Bad Things," Cameron actuó al lado de John Cusack, Catherine Keener y John Malkovich en la película aclamada por la crítica de Spike Jones "Being John Malkovich." Ella fue nominada para el Globo de Oro, un Premio Screen Actors Guild y un Premio British Film Academy (BAFTA) por su actuación. Cameron fue recientemente vista junto a Al Pacino en la película de Oliver Stone "Any Given Sunday," y apareció en uno de los mayores éxitos del 2001, "Charlie's Angels," junto a Drew Barrymore y Lucy Liu. Otros créditos cinematográficos incluyen "The Invisible Circus", y "Things You Can Tell By Just Looking at Her" de Showtime, al lado de Glenn Close, Calista Flockhart, Amy Brenneman y Holly Hunter. Ella prestó su voz para la película animada de DreamWorks, "Shrek" con Eddie Murphy, John Lithgow y Mike Meyers, y actuó al lado de Tom Cruise y Penelope Cruz en la película de Cameron Crowe, "Vanilla Sky." Ella actualmente está filmando "Charlie's Angeles: Full Throttle." LIAM NEESON (Sacerdote Vallon) El nominado al Premio de la Academia Liam Neeson se ha convertido en una de las figuras principales de la cinematografía internacional de nuestro tiempo. Recientemente visto en "Gun Shy," y en la obra de Arthur Miller "The Crucible," en 1999 apareció en la película de George Lucas "Star Wars: Episode I The Phantom Menace" y en "The Haunting" de Jan DeBont En 1998, Liam actuó en la adaptación para cine de la obra de Victor Hugo "Les Miserables," y también actuó como Oscar Wilde en la obra de David Hare "The Judas Kiss," en el West End de Londres y en Broadway. En 1996, él hace el papel titular en la película de Neil Jordan "Michael Collins," por la cual el recibe honores al Mejor Actor en el festival de Cine de Venecia, una nominación al Globo de Oro, y el prestigiado premio de Londres Evening Standard, al Mejor Actor. El actor nacido en Irlanda originalmente visualizó una carrera como maestro, asistiendo al Colegio Queens en Belfast donde se graduó en Física, Ciencias de la Computación, Matemáticas y Drama. Neeson dejó a un lado la enseñanza, y en 1976 se unió al Teatro Lyric Players en Belfast, haciendo su debut profesional de actuación en la obra de Joseph Plunkett, "The Risen People." Después de dos años en este teatro, él se unió al Teatro Abbey de Dublín. Neeson apareció en la producción de Brian Friel del Festival Teatral de Abbey en "Translations," y la producción "The Plough and the Stars" de Sean O'Casey para el Teatro Royal Exchange donde recibió el premio al Mejor Actor. En 1980, John Boorman encontró a Neeson actuando a Lennie en la obra de John Steinbeck "Of Mice and Men" y lo seleccionó para la historia épica arturiana "Excalibur." Después de su debut cinematográfico en la película de Boorman, Neeson ha aparecido en más de 20 películas, incluyendo la nueva versión de "The Bounty" de Dino De Laurentis, la aclamada por la crítica "Lamb," por la cual recibió una nominación al Premio Evening Standard Drama; "Duet for One" de Andrei Konchalovsky; "A Prayer for the Dyin;" y "The Mission" de Roland Joffe. Neeson después recibió el aclamo de la crítica como un veterano sordo mudo de Vietnam en el drama de Peter Yates "Suspect." Películas subsecuentes incluyen "The Good Mother," "Darkman," "Crossing the Line," "Shining Through," "Under Suspicion," "Husbands and Wives" de Woody Allen, "Leap of Faith," "Nell," "Before and After" de Barbet Schroder y el papel principal en la película de Michael Canton-Jones, "Rob Roy." Neeson hizo su debut en Broadway en 1993 en Teatro Roundabout de la nueva puesta en escena del drama de 1921 de Eugene O'Neill "Anna Christie" junto a Natasha Richardson, por la cual él recibió una nominación al Premio Tony al Mejor Actor. Él estelarizó la producción de American Playhouse de "Ethan Frome" de Edith Wharton. En 1993, Neeson fue nominado al Oscar, al Globo de Oro y al Premio BAFTA en la categoría de Mejor Actor por su interpretación de Oskar Schindler en la película ganadora del Premio de la Academia de Steven Spielberg "Schindler's List." JIM BROADBENT (William "Jefe" Tweed) Jim Broadbent, quien ha tenido una ilustre carrera en el escenario, la televisión y el cine, recientemente ganó el Premio de la Academia por su conmovedora interpretación como el devoto esposo en "Iris." Él recientemente apareció como el padre de Renee Zellwegger en la exitosa comedia "Bridget Jones's Diary," y actuó al lado de Nicole Kidman y Ewan MacGregor en "Moulin Rouge" de Baz Lurhmann. En 1999, Broadbent fue reconocido por su interpretación como W. H. Gilbert (de Gilbert y Sullivan) en la película de Mike Leigh "Topsy Turvy." Entre otras películas de Broadbent están "The Rise and Fall of Little Voice," "The Avengers," "The Borrowers," "Smilla's Sense of Snow," "Secret Agent," "Bullets Over Broadway" de Woody Allen, "Princess Caraboo," "The Crying Game" de Neil Jordan "Enchanted April," "Life Is Sweet" de Mike Leigh "Superman IV," "The Good Father," "Time Bandits," "Dogs of War" y muchas otras. En el escenario, Broadbent apareció en la producción de Sam Mendes "Habeas Hábeas" en la Donmar Warehouse, y en la farsa de Feydeau "A Flea In Her Ear" en el Old Vic. Otros créditos teatrales incluyen "The Recruiting Officer" en el Royal Court de Londres, "The Winter's Tale," "Kafka's Dick," "Deliberate Death of a Polish Priest," "The Government Inspector," "Every Good Boy Deserves A Favor" y "Our Friends in the North" con la Compañía Real de Shakespeare. Broadbent apareció en el escenario en el Hampstead Theater Club en dos producciones de Mike Leigh, "Goose Pimples" y "Ecstasy." Los créditos en televisión británica de Broadbent son numerosos e incluyen "The Peter Principle," "Murder Most Horrid," "A Sense of History" (la cual él escribió, y fue dirigida por Mike Leigh), "Inspector Morse," "Revolution," "The Miser," "Conrad," "Happy Families," "Silas Marner," "Only Fools and Horses," "The Last Company Car" y muchos otros dramas de la BBC y de Channel Four. BRENDAN GLEESON (Monk McGinn) Brendan Gleeson recientemente co estelarizó la película de Steven Spielberg "AI: Artificial Intelligence" y se encuentra actualmente filmando "Cold Mountain" de Anthony Mingella. Gleeson nació y fue criado en Dublín, donde asistió a la escuela en Marino antes de unirse a los hermanos Christian en Fairview de St. Joseph. Fue mientras estuvo en St. Joseph que se sintió atraído al escenario y al cine gracias a la influencia y el empuje que él recibió de su maestro Pat Grogan. Después de dejar la escuela, Gleeson se unió al Consejo de Salud por un tiempo, después del cual regresó a la escuela y empezó a estudiar en Belcamp. Después enseñó ahí por diez años, durante los cuales actuó en varias producciones, incluyendo "King of the Castle" en el Teatro Abbey y "Home" con la Compañía Passion Machine. In 1989, a la edad de 34 años, Gleeson decidió dedicarse a la actuación de tiempo completo. Él atrajo la atención internacional con su actuación en la película de John Boorman "The General," por la cual ganó el Premio al Mejor Actor de la Sociedad de Críticos de Cine de Boston, los Críticos de Cine de Londres, y de la Asociación Irlandesa de Cine y Televisión. Otros de los muchos créditos de Gleeson incluyen "Far and Away," "Braveheart," "Michael Collins," "I Went Down," "The Snapper," "Angela Mooney," "My Life So Far," "Wild About Harry," "Mission Impossible 2," "Harrison's Flower," "Lake Placid" y más recientemente la película de John Boorman "The Tailor of Panama" de John Le Carre. JOHN C. REILLY (Happy Jack) John C. Reilly se ha posicionado como uno de los mejores actores de su generación. Es su habilidad para desaparecer en el papel lo que ha llamado la atención de Hollywood y sus realizadores, muchos de los cuales han trabajado con él en varias ocasiones. Él sorprende de igual manera si interpreta a un gruñón de la era de Vietnam, una estrella porno coca-adicta, un infeliz baterista, un solitario policía, un desilusionado sargento de la Segunda Guerra Mundial, o un pescador atontado. Algunos de los mejores directores de nuestra era como Brian De Palma, Terrence Malick, Martín Scorsese, Paul Thomas Anderson, Lasse Hallstrom, Wolfang Peterson y Neil Jordan han utilizado su versatilidad para crear sus mundos en el cine. La carrera de Reilly ha estado siempre en ascenso. En los próximos meses, Reilly estelariza cuatro proyectos que nuevamente le permiten exhibir su incomparable versatilidad como actor. Además de PANDILLAS DE NUEVA YORK, él podrá ser visto en "Chicago" de Miramax, mostrando su talento como cantante al lado de Catherine Zeta-Jones y Renee Zellweger. Reilly interpreta a Amos Hart, el marido de Roxie Hart (Zelleweger), mejor conocido por su canción "Mr. Cellophane" y su número musical. La película es dirigida por Rob Marshall y será estrenada por Miramax el 27 de diciembre en Nueva York y Los Ángeles, estrenándose a nivel nacional en Estados Unidos el 3 de enero del 2003. Además, Reilly será visto en la película de ensamble "The Hours" dirigida por Stephen Daldry ("Billy Elliot") que será estrenada por Miramax/Paramount el 25 de diciembre. El drama consta de tres partes en donde que Reilly interpreta al esposo de Julianne Moore en una de las historias ubicada en 1952. La película también está estelarizada por Nicole Kidman y Meryl Streep. Más recientemente en el cine, él actuó al lado de Jennifer Aniston como su marido en la película de Myriad "The Good Girl." En esta comedia negra, Aniston y Reilly enfrentan problemas en su matrimonio cuando ella se embarca en un romance con un hombre menor. Reilly regresó a sus raíces en el teatro en el 2000 en la producción de Broadway de Sam Shepard nominada al premio Tony "True West." Reilly actuó al lado de Philip Seymour Hoffman en la historia de dos hermanos inmersos en una intensa batalla psicológica. Los dos talentosos actores dejaron al público impresionado, y ambos actores recibieron nominaciones al premio Tony al Mejor Actor en una Obra por las interpretaciones de los hermanos. Reilly estelarizó la sátira de ensamble aclamada por la crítica "The Anniversary Party," la cual fue co-dirigida por Alan Cumming y Jennifer Jasón Leigh. Además, interpretó a Dale Murphy, en la exitosa película de Wolfang Peterson "The Perfect Storm." Reilly también ganó los corazones de los críticos y de los cinéfilos en el aclamado drama de Paul Thomas Anderson "Magnolia." Interpretando a Jim Kurring, su personaje estuvo cargado de un irónico punto de vista del mundo y de su lugar en él. Reilly hizo una actuación que se robó la escena en el drama de béisbol de Universal "For Love of the Game," estelarizada por Kevin Costner y Kelly Preston. En la película, él interpretó al 'catcher' y ala Gus Sinski. Él también co-estelarizó la comedia romántica de la Twentieth Century Fox "Never Been Kissed," estelarizada por Drew Barrymore y David Arquette. La versatilidad de Reilly ha sido mostrada en otras películas, tanto de estudio como independientes. Él fue visto como la estrella porno y el amigo drogadicto de Dirk Diggler (Mark Wahlberg), Reed Rothchild, en la película de Paul Thomas Anderson "Boggie Nights," que sigue los pasos de una extensa familia de realizadores que intentan revolucionar la industria porno. En el drama de acción de Anderson "Hard Eight," él actúa al lado de Gwyneth Paltrow y Samuel L. Jackson como el jugador de Reno. Su retrato del desastroso sargento de la Segunda Guerra Mundial, Storm, en la película de Terrence Malick "The Thin Red Line" recibió grandes críticas. Otros de sus créditos en cine incluyen "Georgia," "What's Eating Gilbert Grape?," "Dolores Claiborne," "The River Wild," "We're No Angels," "State of Grace," y "Hoffa." Criado en el lado suroeste de Chicago, Reilly comenzó a actuar en los teatros locales de la ciudad. Fue aceptado en la prestigiada Escuela de Drama Goodman y se graduó en los más altos niveles de la escena teatral de Chicago, trabajando en el influyente Steppenwolf Theatre y en el Organic Theatre, para el cual escribió y dirigió la obra para dos personajes "Walking the Boogie." Fue durante ese período que Reilly mandó a Brian De Palma un video de sí mismo y fue inmediatamente contratado vía telefónica para hacer "Casualties of War" sin siquiera haberse reunido en persona con De Palma. Pocos días después, Reilly iba camino a Tailandia para hacer no sólo su debut en cine, sino su primer viaje en avión. Aunque fue elegido para un papel menor, De Palma estuvo tan sobrecogido por el crudo realismo del trabajo de Reilly que le cambió el papel para que realizara uno más importante en la película interpretando a Hatcher. Reilly regresó después al teatro para estelarizar "The Grapes of Wrath" y "A Streetcar Named Desire," ambas al lado de Gary Sinise, en el Teatro Steppenwolf. Él también produjo y tuvo un papel estelar como el rey en el absurdo clásico de Ionesco "Exit the King" en The Actor's Gang Theatre de Los Ángeles. HENRY THOMAS (Johnny) A Henry Thomas se le vio últimamente en la película de Billy Bob Thornton "All the Pretty Horses." Él también aparece en tres películas independientes que próximamente aparecerán: "The Quickie" dirigida por Sergei Bodrov, en la cual también aparece Vladimir Mashkov, Jennifer Jason Leigh, Dean Stockwell y Sergei Bodrov, Jr.; "Briar Patch" dirigida por Zev Berman, co-etelarizada por Arie Vereen y Dominque Swain; así como "Dead in the Water," escrita y dirigida por Gustavo Lipsztein y co estelarizada por Swain. A la edad de 10 años, se labró un nombre interpretando el papel de Elliot en la película de Steven Spielberg "E. T.: el extraterrestre." Desde entonces ha trabajado continuamente y ha logrado tener un currículum impresionante. Él también apareció junto con Brad Pitt y Anthony Hopkins en "Legends of the Fall," y junto con Kathy Bates y James Woods en la obra ganadora del Premio Pulitzer de Sam Shepard "Curse of the Starving Class," que fue filmada para Showtime. Thomas también apareció en "Indictment" para la HBO (mereciendo una nominación al Globo de Oro), así como en las películas "Suicide Kings," "Niagara Niagara," "Fire In the Sky," y "Valmont" dirigida por Milos Forman. Acerca de los realizadores MARTIN SCORSESE (Director) Martin Scorsese es director de más de 25 películas, incluyendo "Mean Streets," "Alice Doesn't Live Here Anymore," "Taxi Driver," "New York, New York," "The Last Waltz," "Raging Bull," "The King of Comedy," "After Hours," "The Color of Money," "The Last Temptation of Christ," el segmento Life Lessons de "New York Stories," "GoodFellas," "Cape Fear," "The Age of Innocence," "Casino," "Kundun" y "Bringing Out the Dead." Graduado de la Universidad de Nueva York, Scorsese trabajó como editor hasta que su primera película "Who's That Knocking At My Door?" captó la atención de Roger Corman, quien le pidió que dirigiera "Boxcar Bertha." Regresó a Nueva York a filmar "Mean Streets" en 1973, y su trabajó atrajo la atención nacional y la aclamación de la crítica, con lo cual despegó su carrera. Scorsese co-dirigió y co-escribió (con Michael Henry Wilson) el documental para el British Film Institute/Channel "A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies," para celebrar los cien años de la industria cinematográfica. Además creó "Italianamerican," un documental sobre sus padres. Él es uno de los fundadores de la "Film Foundation" que promueve la restauración de las películas de los estudios y de los archivos. En 1992 lanzó "Martin Scorsese Presents," una compañía que se dedica a la restauración de películas clásicas. Scorsese ha buscado respaldar a otros cineastas a través de su labor de producción en "The Grifters," "Mad Dog and Glory," "Naked in New York," "Search and Destroy," "Clockers" y "Grace of My Heart." Recientemente co-produjo "Kicked In the Head" de Matthew Harrison, y "The Hi Lo Country" de Stephen Frears, y también fue productor ejecutivo de la película de Kenneth Lonergan "You Can Count On Me." Scorsese recientemente recibió el premio a la Labor de Toda Una Vida de la AFI y fue honrado con un tributo especial de gala de la Asociación Cinematográfica en el Lincoln Center. También fue presidente del jurado en el Festival de Cine de Cannes de 1998. "Il Mio Viaggio in Italia," la primera parte de su película documental sobre la historia del cine italiano fue exhibida en el 2001. JAY COCKS (Historia y Guión) Jay Cocks previamente colaboró con Martín Scorsese en el guión de la adaptación de la novela de Edith Wharton "The Age of Innocence." Sus otros créditos como guionista de cine incluyen "Strange Days" y "Made in Milan." Cocks fue crítico de Time Magazine. STEVEN ZAILLIAN (Guión) Steven Zaillian ganó un Premio de la Academia por el guión de la película de Steven Spielberg "Schindler List." Entre sus otros créditos como guionista están "The Falcon and the Snowman," "Awakenings," "Searching for Bobby Fischer" (la cual también dirigió), "Jack the Bear," "Clear and Present Danger" y "A Civil Action" (otro esfuerzo directorial). Zaillian recientemente escribió los guiones para "Hannibal" y "Black Hawk Down." KENNETH LONERGAN (Guión) Kenneth Lonergan escribió y dirigió la película "You Can Count On Me," por la cual ganó el premio de Guionismo Waldo Salt, el mejor premio de guionismo que otorga el Festival de Cine de Sundance, y los premios al Mejor Guión del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, del Círculo de Críticos de Cine de L.A., del Gremio de Escritores de América y del National Board of Review. Él también fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Guión Original. Las obras de Lonergan incluyen "Lobby Hero," "The Waverly Gallery" y "This Is Our Youth." Su obra para el teatro ha sido presentada en Nueva York en Naked Angels, Second Stage, The Atlantic Theatre Company y H.B. Playwrights Foundation. En Los Ángeles, su trabajo ha sido puesto en escena en el COSAT Theatre, y en Londres en el Royal Court Theater y en Battersea Playhouse. ALBERTO GRIMALDI (Productor) Alberto Grimaldi varias películas sobretodo en el cine italiano. Entre ellas estan "Ginger and Fred," "Casanova" y "Fellini Satyricon," las tres de Federico Fellini; "1900" y "Last Tango In Paris" de Bernardo Bertolucci; así como "120 Days of Sodom," "Arabian Nights," "Canterbury Tales" y "Decameron" de Pier Paolo Pasolini. Los créditos de Grimaldi en el campo de la producción también incluyen "Travels With Anita," "The Context," "A Quiet Place in the Country," "Burn," y las películas de Sergio Leone "For A Few Dollars More" y "The Good, the Bad and the Ugly." HARVEY WEINSTEIN (Productor) Harvey es co-director de Miramax Films, la cual fundó junto con su hermano Bob en 1979 y nombraron así en honor de sus padres Miriam y Max. La compañía ha estrenado algunas de las películas independientes más aclamadas por la crítica y más exitosas comercialmente de las dos décadas pasadas, como son "In the Bedroom," "Chocolat," "The Cider House Rules," "Shakespeare in Love," "Life Is Beautiful" (La Vita E Bella)," "Good Will Hunting," "The English Patient," "Pulp Fiction," "The Piano," "The Crying Game," "My Left Foot," y "Sex, Lies and Videotape," entre muchas otras. En los 14 años que llevan de conocidos, Harvey Weinstein y Martín Scorsese han trabajado juntos en "The Gifters," "The Director's Cut of 'El Cid'" y "Belle du Jour," así como en "A Personal Journey with Martín Scorsese Through American Movies," "My Voyage to Italy," y "Purple Noon." Weinstein también fue uno de los productores de "Shakespeare In Love" y "Malena" de Guiseppe Tornatore. GRAHAM KING (Co-Productor Ejecutivo) El establecido productor de excepcionales películas ganadoras de Oscares Graham King, es el co-productor ejecutivo de PANDILLAS DE NUEVA YORK, y fue indispensable para la realización del sueño de Martin Scorsese de poder dirigir esta película épica. King, quien es presidente y CEO de Initial Entertainment Group (IEG), una de las compañías de cine independiente más importantes de Hollywood, fue el responsable que le dieran luz verde a PANDILLAS DE NUEVA YORK, comprometiéndose a financiar la película de $65 millones de dólares por todos los derechos extranjeros. King se ha convertido en una formidable fuerza en la producción de películas independientes de gran escala, y es responsable de traer a la vida la ganadora de cuatro Oscares "Traffic," dirigida por Steven Soderbergh, así como "Alí" de Michael Mann, estelarizada por Will Smith. IEG, la cual fundó King en 1995, financia, produce y distribuye películas en el mercado mundial. Próximamente, IEG co-financiará y co-producirá películas con la compañía de producción de Leonardo DiCaprio, Appian Way. Actualmente en desarrollo, también con la participación de Martin Scorsese y de DiCaprio, está la película biográfica de Howard Hughes "Aviator." Títulos previos de IEG incluyen "Dr. T and The Women" de Robert Altman, "The Dangerous Lives of Altar Boys" producida por la compañía de Jodie Foster Egg Pictures, "el aclamado drama "Savoir" estelarizado por Dennis Quaid, y la comedia negra "Very Bad Things" estelarizada por Cameron Diaz y Christian Slater. MICHAEL BALLHAUS (Director de fotografía) El distinguido fotógrafo Michael Ballhaus se reúne por sexta vez con Martin Scorsese en PANDILLAS DE NUEVA YORK, habiendo anteriormente trabajado con él en "After Hours," "The Color of Money," "The Last Temptation of Christ," "GoodFellas" y "The Age of Innocence." Nacido en Alemania, Ballhaus ha tenido una larga y variada carrera como cineasta en la industria alemana de cine y televisión. Él fotografió quince películas para el fallecido director Rainer Werner Fassbinder. Ballhaus hizo su debut en Estados Unidos como director de fotografía de la película de John Sayles "Baby, It's You" de 1983. Otros créditos norteamericanos de ese período incluyen "Under the Cherry Moon," "The Glass Menagerie," la película de James L. Brooks "Broadcast News" (por la cual fue nominado para un Premio de la Academia ), y "Working Girl" de Mike Nichols. Ballhaus también fotografió "The House on Carroll Street," "Dirty Rotten Scoundrels," Steve Kloves' "The Fabulous Baker Boys" (nominada a un Premio de la academia), "Postcards from the Edge" de Nichols, "What About Bob?", "Guilty By Suspicion," "Dracula de Francis Ford Coppola," "Dirty Rotten Scoundrels," "The Mambo Kings" y "Quiz Show" de Robert Redford. Sus créditos más recientes incluyen: "I'll Do Anything" de James L. Brooks, "Outbreak," "Sleepers" de Barry Levinson, "I'll Do Anything," "Air Force One," "Primary Colors" de Mike Nichol, "What Planet Are You From?", "Wild, Wild West," "The Legend of Bagger Vance" de Redford y "Gone Underground." DANTE FERRETTI (Diseñador de Producción) PANDILLAS DE NUEVA YORK es la quinta película que hace Dante Ferretti para Martin Scorsese. Él también diseñó la opulenta producción de "The Age of Innocence," "Casino," "Kundun" y "Bringing Out the Dead." Ferretti también ha colaborado con los directores Julie Taymor ("Titus"), Martin Brest ("Meet Joe Black"), Neil Jordan ("Interview with the Vampire"), Franco Zeffirelli ("Hamlet"), Terry Gilliam ("Baron Munchausen"), Jean-Jacques Annaud ("The Name of the Rose"), Ettore Scola ("La Nuit de Varennes"), Liliana Cavalli ("La Pelle"), y Elio Petri ("The Working Class Goes to Heaven"). Asimismo diseñó cinco películas para Pier Paolo Pasolini ("Salo," "Arabian Nights," "Canterbury Tales," "Decameron" y "Medea"), así como cinco películas para Federico Fellini ("La Voce Della Luna," "Ginger and Fred," "And the Ship Sails On," "City of Women" y "Orchestra Rehearsal"). Ferretti ha sido nominado cinco veces para recibir el Oscar por "Kundun," "Interview with a Vampire," "The Age of Innocence," "Hamlet" y "The Adventures of Baron Munchausen." Él ha recibido dos premios BAFTA (British Film Institute) por "Interview with the Vampire" y "The Adventures of Baron Munchausen." Además de esta película, Ferretti ha diseñado en múltiples ocasiones para prestigiados teatros de ópera como La Scala de Milan, el Teatro Colón de Buenos Aires, el Teatro de la Opera de Roma y el Teatro de la Opera de la Bastilla de París. SANDY POWELL (Diseñadora de Vestuario) Sandy Powell recibió el Oscar por su vestuario para "Shakespeare in Love," habiendo sido nominada para un Oscar el mismo año por "Velvet Goldmine." Los primeros créditos cinematográficos de Powell incluyen tres películas de Derek Jarman: "Caravaggio," "Depuis Le Jour - Aria" y "The Last of England." En 1991 diseñó el vestuario para seis películas: "Stormy Monday," "For Queen and Country," "Venus Peter," "Killing Dad," "The Miracle" y "The Pope Must Die." Entre otros de sus réditos se encuentran "Edward II," "The Crying Game," "Orlando" (nominación al Oscar y al Premio Evening Standard), "Wittgenstein," "Being Human," "Interview With the Vampire," "Rob Roy," "Michael Collins," "Butcher Boy," "Wings of the Dove" (nominación al Oscar y al BAFTA ), "Hilary and Jackie," "Felicia's Journey," "The End of the Affair" y "Miss Julie." Powell ha diseñado el vestuario para las producciones de Lindsay Kemp de "Midsummer Night's Dream," "Nijinsky" y "Cruel Garden," la última para el Festival de Ballet de Londres. Ella también estuvo a cargo del vestuario para la producción que hizo Gerard Murphy de "Edward II" en la Royal Shakespeare Company, para la producción de "Dr. Ox's Experiment" de Atom para la English National Opera, para el "Rigoletto" de Verdi en Amsterdam, y para la mayor parte de los espectáculos de Choolmondeleys y Featherstonehoughs con el director/ coreógrafo Lea Anderson. En 1998, Powell ganó el premio "Women in Film & Television Technicians." THELMA SCHOONMAKER (Edición) Thelma Schoonmaker nació en Argelia, donde su padre trabajaba para la "Standard Oil Company". Creció en la Isla de Arua y posteriormente asistió a la Universidad de Cornell, donde estudió Ciencias Políticas y Ruso, con la intención de convertirse en parte del cuerpo diplomático. Mientras hacia trabajo de postgrado en la Universidad de Columbia, respondió a un anuncio del New York Times donde se ofrecía un trabajo con entrenamiento incluido como asistente de edición en películas. Entrar en contacto con esta disciplina despertó en ella el deseo de aprender más sobre la edición. Durante un curso de verano de seis semanas en la Escuela de Cinematografía de la Universidad de Nueva York conoció a Martin Scorsese y a Michael Wadleigh. En pocos años se vería editando la primera película de Scorsese "Who's That Knocking At My Door?" Posteriormente, ella editó una serie de películas y comerciales antes de supervisar la edición de la película de Wadleigh "Woodstock" en 1971, por la cual fue nominada para un Premio de la Academia. En 1981 ganó tanto el Premio de la Academia como el Premio BAFTA (British Film Institute) por la edición de la película de Scorsese "Raging Bull." Subsecuentemente ella ha trabajado en todas las películas de Scorsese: "The King of Comedy," "After Hours," "The Color of Money," "The Last Temptation of Christ," el segmento de Life Lessons en "New York Stories," "GoodFellas" (que la hizo merecedora de otro Premio BAFTA, así como de otra nominación al Oscar), "Cape Fear," "The Age of Innocence," "Casino," "Kundun" y "Bringing Out the Dead." Ella también ha editado los documentales de Scorsese "A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies" y "Il Mio Viaggio in Italia." Además de su trabajo como editora de cine, ella se ha dedicado incansablemente a promover las películas y los escritos de su difunto esposo, el director Michael Powell. Official Web Site: http://www.gangsofnewyork.com Back to main movie page Showing Today at: Click here for other showings